Published on occasion of Arnaud Eubelen’s solo exhibition My Homies, curated by Jeanne Mouffe presented by Medusa. Enveloped with a poem by Romain Beaudot, the publication, intended to complement the exhibition, traces Arnaud’s footsteps to the conception of his trash-to-treasure practice. 

Le Soleil et l’Acier est un recueil de textes assemblé par Laurianne Bixhain lors de clubs de lecture qui se sont tenus pendant sa résidence au Musée de l’imprimerie et de la carte à jouer de Grevenmacher (Luxembourg). Pour faire écho au travail de Monique Wittig, Roxanne Maillet a dessiné de nouvelles ligatures pour la Baskervvol, notamment une ligature « je ».

Echoing Jean Dubuffet's idea that thought must arise from material in artistic practice, Giuliana Prucca, through this essay, reinterprets a moment in the history of 20th-century art using materials such as stone, sand, earth, and dust. She employs the mineral to illustrate that the creative act would be a trace of the body's disappearance. The loss of humanity and the deconstruction of the subject objectify themselves in the image. In other words, art resides in the tension between representation and its loss, ultimately leaving nothing but an image.

Drawing from the influential figure of Antonin Artaud, she weaves critical and poetic connections between the texts and works of various artists, writers, and thinkers, ranging from Jean Dubuffet to Jan Fabre and Anselm Kiefer, Yves Klein and Gutaï, Joë Bousquet to Camille Bryen and Francis Ponge, Gaston Bachelard to Gilles Deleuze, and Georges Bataille to Aby Warburg.

The material is not merely a thematic pretext; it is an active and explosive catapult that questions the arbitrary linearity of a conventionally assimilated art history. Following Ponge's example, Prucca applies the principles of poetry to criticism, starting from Artaud's material, the most undisciplined of poet-artist-thinkers of the modern era. This results in a critically inventive approach dangerously suited to its object, celebrating an anti-critique. The chosen writing materials, stonepaper for the cover and recycled paper for the pages, is consistent, intending to give the impression of being covered in dust.

The essay disrupts traditional reading habits and shatters the conservatism of art criticism by inhabiting writing space differently, presenting a physically engaging interaction. This is an essay in the literal sense, an experience where form never contradicts content, urging readers to take the risk of thinking deeply and embracing a new rhythm. A complex and challenging design invites them to choose different reading options, ultimately treating criticism as one would poetry.

Giuliana Prucca [Paris | Berlin] is an independent curator, researcher, and writer. She is the founder and art director of the publishing house AVARIE, specialising in contemporary art books that explore the relationships between text and image, body and space.

Graphic design, art direction by Vito Raimondi

JJ brings together articles by cultural critic, auto/biographer, and lesbian icon Jill Johnston, translated into French for the first time, as well as texts, poems and drawings by Pauline L. Boulba, Aminata Labor, Nina Kennel and Rosanna Puyol.

Jill Johnston (1929-2010) was a dance critic, performer, writer, and feminist and lesbian activist. Her books include Marmalade Me (1971), Lesbian Nation (1973), Gullibles Travels (1974) and numerous articles in The Village Voice.

Texts by Jill Johnston; contributions by Pauline L. Boulba, Aminata Labor, Nina Kennel, Rosanna Puyol.

Translated from the English (American) by Pauline L. Boulba, Aminata Labor, Nina Kennel, Rosanna Puyol.

Graphic design: Sophie Demay & Maël Fournier-Comte (In the Shade of a Tree).

The first collection of texts published in French by the Argentinian artist and poet.

Preface by Chris Kraus.

Translated from the English and Spanish by Marion Vasseur Raluy, Rosanna Puyol Boralevi and Mona Varichon.

Three long poems by American writer, artist and actor Rene Ricard (1946-2014), an icon of the New York underground in the 1970s, accompanied by a series of drawings by American painter Robert Hawkins.

After Rene Ricard 1979–1980 and God with Revolver, Editions Lutanie publishes a third collection of poetry by the American writer, artist, and actor Rene Ricard (1946–2014), Love Poems.

Reprising the rare, eponymous book published by Richard Hell through CUZ Editions in 1999, Love Poems features three poems by Ricard and a series of black-and-white drawings by Robert Hawkins). Haunted by death, betrayal, and guilt, Ricard's poems speak from a wounded heart. Hawkins's accompanying drawings have the simplicity of children's book illustrations, but feature menacing shadows, broken cigarettes, used condoms, and petal-less flowers.

Translated into French by Manon Lutanie and Rachel Valinsky, and presented in a bilingual edition, the poems are followed by a newly commissioned afterword by Hawkins retracing his encounter, friendship, and collaboration with Ricard.

With Love Poems, Editions Lutanie reaffirms its decade-long commitment—initiated the year of Ricard's passing—to reissue his out-of-print works for English-speaking readers, while also presenting them for the first time to a French-speaking audience.

"With three simple poems, Rene Ricard exposes us to the often strained love within class stratification, between those coming together from different worlds, whether Bowery panhandlers or street hustlers, Hollywood movie stars or the highest echelon of European aristocratic wealth. Rene Ricard writes poems that are always honest. Sometimes painfully so."
—Patrick Fox

Robert Hawkins (born 1951 in Sunnyvale, California) is an American artist who lives and works in London. A fabled figure of the 1980s and early 1990s East Village art and punk scene, his work is and has been collected by artists and writers including Jean-Michel Basquiat, Glenn O'Brien, and Jim Jarmusch. Among Hawkins' first exhibitions was Lower Manhattan Drawing Show, a group exhibition curated by Keith Haring at 77 White Street Gallery above the Mudd Club, in 1981.

Rene Ricard was an American writer, artist, and actor. He was born in 1946 and grew up in New Bedford, Massachusetts. After a troubled childhood, he fled to Boston as a teenager, where he came into contact with literary and artistic circles. At the age of eighteen, he moved to New York City and became a central figure in the city's artistic and literary scene. Ricard appeared in several films by Andy Warhol and continued to act in many independent films throughout his life. In the 1980s, he wrote two major collections of poetry, as well as important essays and articles, some of which were instrumental in launching the careers of artists such as Julian Schnabel and Jean-Michel Basquiat (about whom he wrote the famous article "The Radiant Child" in Artforum in 1981). Beginning in the 1990s, he developed a pictorial body of work and exhibited his paintings in various galleries in the UK and the US. He died in New York in 2014.

Edited by Manon Lutanie .
Translated from the English (American) by Manon Lutanie and Rachel Valinsky.
Drawings and afterword by Robert Hawkins.

Sur la route, de sabiche est la version housewife-poétesse kicked out de la maison où elle vivait, qui se retrouve on the road yeah, le long des pissenlits traînant d'énormes valises, pleines de livres et de bidules inutiles-essentiels, dont un crâne humain avec qui elle parle. Des lutins et Dodie Bellamy - dont sabiche traduit l'essai "L'écriture comme accumulation compulsive" - viennent l'aider...

Frustration, inflammation, licences commerciales, torture et choux qui accouchent. Ça commence mal à Montreuil. Et ça finit dans le Kentucky. Là où tout a vraiment commencé.

Sex I, de Camille Kingué est un récit intime à la première personne qui traite des relations sexuelles/intimes comme espaces de (re) découverte de soi et d'(in) accessibilité à l'autre.

Les sculptures et les films de Judith Hopf sont alimentés par des réflexions sur les relations que les êtres humains entretiennent avec la production et la technologie. Pour Énergies, sa première exposition monographique en France qui eut lieu conjointement à Paris à Bétonsalon et au Plateau, Frac Ile-de-France, l’artiste s’est concentrée sur cet élément invisible dont la quête accompagne notre quotidien et nos activités, produit par la conversion de ressources naturelles en puissance. Ce catalogue réunit des reproductions de dessins inédits, un entretien avec l’artiste et un texte critique de Tom Holert qui fait retour sur vingt années de travail.

Judith Hopf's sculptures and films are fuelled by reflections on the relationship human beings have with production and technology. For Énergies, her first solo exhibition in France, held jointly in Paris, at Bétonsalon and Plateau, Frac Ile-de-France, the artist focused on this invisible element whose quest accompanies our daily lives and activities, produced by converting natural resources into power. This catalog features reproductions of previously unpublished drawings, an interview with the artist and a critical text by Tom Holert, looking back over twenty years of work.

Textes / Texts
- François Aubart, Xavier Franceschi et Émilie Renard, "À propos d’énergie, d’amour et de chansons : conversation avec Judith Hopf"
- Tom Holert, "Changements de rythme : La méthodologie énergétique de Judith Hopf"

- François Aubart, Xavier Franceschi et Émilie Renard, "On Energy, Love, and Songs: Conversation with Judith Hopf"
- Tom Holert, "Changing Pace: Judith Hopf’s Energetic Methodology"

Traduction / Translation
Jean-François Caro
Louise Ledour

Typesetting : Olivier Lebrun

En sortant de l’école d’art, Élise Legal parcourt un monde de crises économiques, d’absurdités politiques et d’angoisses écologiques. Un monde dans lequel elle doit désormais légitimer sa démarche artistique dans des dossiers qui en font une fiction.

Problèmes de localisation contient sept textes, composés d’analyses critiques, de récits personnels et de poèmes, qui racontent cette entrée dans un environnement où circulent les corps, les marchandises, les informations et les capitaux. Élise Legal s’y déplace en voiture, en co-voiturage, en train, en bus ou en avion, découvrant ce que ce monde de transaction et de fluidité fait au langage. Elle cherche à comprendre comment il est incarné, échangé et habité dans les voix des pilotes d’avion, des startupers ou du président de la République, dans les textes de loi, les formulaires de demandes de bourses, la parole de ses enseigant·es, dans les textes de théorie critique comme dans la poésie des banquiers.

Élise Legal est artiste et autrice. Elle a étudié à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon et au Sheffield Institute of Arts. À travers une approche pluridisciplinaire qui mêle images trouvées, dessin et poésie, elle porte une attention particulière à la manière dont le langage et les corps coexistent. Elle poursuit également une thèse de recherche-création à Paris 8 qui porte sur l’agir politique de la poésie.

Graphisme : Olivier Lebrun

Silvia Federici revi­site ce moment par­ti­cu­lier de l’his­toire qu’est la tran­si­tion entre le féo­da­lisme et le capi­ta­lisme, en y intro­dui­sant la pers­pec­tive par­ti­cu­lière de l’his­toire des femmes.

Elle nous invite à réflé­chir aux rap­ports d’exploi­ta­tion et de domi­na­tion, à la lumière des bou­le­ver­se­ments intro­duits à l’issue du Moyen Âge. Un monde nou­veau nais­sait, pri­va­ti­sant les biens autre­fois col­lec­tifs, trans­for­mant les rap­ports de tra­vail et les rela­tions de genre. Ce nou­veau monde, où des mil­lions d’escla­ves ont posé les fon­da­tions du capi­ta­lisme moderne, est aussi le résul­tat d’un asser­vis­se­ment sys­té­ma­ti­que des femmes. Par la chasse aux sor­ciè­res et l’escla­vage, la tran­si­tion vers le capi­ta­lisme fai­sait de la moder­nité une affaire de dis­ci­pline. Discipline des corps fémi­nins dévo­lus à la repro­duc­tion, consu­més sur les bûchers comme autant de signaux ter­ri­fiants, tor­tu­rés pour lais­ser voir leur méca­ni­que intime, anéan­tis socia­le­ment. Discipline des corps d’escla­ves, servis à la machine sociale dans un for­mi­da­ble mou­ve­ment d’acca­pa­re­ment des res­sour­ces du Nouveau Monde pour la for­tune de l’ancien.

Le capi­ta­lisme contem­po­rain pré­sente des simi­li­tu­des avec son passé le plus vio­lent. Ce qu’on a décrit comme bar­ba­rie et dont aurait su triom­pher le siècle de la raison est cons­ti­tu­tif de ce mode de pro­duc­tion : l’escla­vage et l’anéan­tis­se­ment des femmes n’étaient pas des pro­ces­sus for­tuits, mais des néces­si­tés de l’accu­mu­la­tion de richesse. L’auteur nous invite à par­ta­ger son son regard d’his­to­rienne et de fémi­niste sur la situa­tion actuelle et sur ses méca­nis­mes.

Essai, traduction de l’anglais (États-Unis) par le collectif Senonevero, revue et complétée par Julien Guazzini

Silvia Federici (née en 1942 à Parme en Italie) est une uni­ver­si­taire amé­ri­caine, ensei­gnante et mili­tante fémi­niste révo­lu­tion­naire. Elle est pro­fes­seure émérite et cher­cheuse à l’Université Hofstra à New York.
 

Silvia Federici pré­sente une his­toire cri­ti­que de la poli­ti­que des com­muns dans une pers­pec­tive fémi­niste. De son vécu au Nigeria et de ses ren­contres avec des mili­tan­tes d’Amérique latine et du monde entier, Federici révèle les luttes quo­ti­dien­nes des femmes contre la spo­lia­tion de leur terre, de leur loge­ment et nour­ri­ture. De ses recher­ches his­to­ri­ques, elle com­pare les enclo­su­res, qui ont permis la nais­sance du capi­ta­lisme par la des­truc­tion des com­muns et la pro­lé­ta­ri­sa­tion des popu­la­tions rura­les, aux « nou­vel­les enclo­su­res » au cœur de la phase actuelle d’accu­mu­la­tion capi­ta­liste mon­diale. Cet ouvrage sou­tient que les luttes autour de la repro­duc­tion sociale sont cru­cia­les à la fois pour notre survie économique que pour la cons­truc­tion d’un monde libéré des hié­rar­chies et des divi­sions que le capi­tal a implan­tées dans le corps du pro­lé­ta­riat inter­na­tio­nal.

Federici consi­dère que les com­muns ne doi­vent pas être com­pris comme des îlots de par­tage dans un océan de rela­tions d’exploi­ta­tion, mais plutôt comme des espa­ces auto­no­mes à partir des­quels défier l’orga­ni­sa­tion capi­ta­liste de la vie et du tra­vail.

Essai traduit de l’anglais par Noémie Grunenwald.

Silvia Federici (née en 1942 à Parme en Italie) est une uni­ver­si­taire amé­ri­caine, ensei­gnante et mili­tante fémi­niste révo­lu­tion­naire. Elle est pro­fes­seure émérite et cher­cheuse à l’Université Hofstra à New York.

Designed under the direction of the artist, this monograph is devoted to Danh Vo's in situ installation at the CAPC museum, through which the conceptual artist explores the relationship between individual and collective history, and the notions of power and masculinity.

Published on the occasion of Danh Vo's exhibition at CAPC musée d'art contemporain de Bordeaux, from May 29 to October 28, 2018.

Edited by Danh Vo.
Interview with Danh Vo by María Inés Rodríguez.
Photographs by Nick Ash.

The sixth issue of the transversal journal, at the crossroads of art and thought, political philosophy, gender studies and academic knowledge, delves into the various forms of mutation that ripple through our world.

In biology, a mutation describes an alteration of the genetic code that spurs change in a given organism. In linguistics, it generally triggers a modification of the structure of a word, often influenced by phonetic or morphological factors. In any case, mutations—steered by some ever-changing principle—always elude the spatio-theoretical framework which they are rooted in.

Therefore, the mutations composing this issue are different from those that preceded them, and still unlike the ones that will arise in the years to come. Mutabilities explores mutations operating in various fields of research that are precious to Klima—such as ecology, contemporary art, social sciences and politics, technology, or even language. Co-edited with curator Alicia Reymond, and in collaboration with graphic design studio Espace Ness, this new issue originates from an ongoing transformation process. Mirroring an exquisite corpse, Mutabilities unveils the interventions of contributors who position forms of radical mutation at the core of their own practice. The mutations driving them not only constitute subjects for theoretical analysis, but are actually the result, the consequence, and/or the fruit of embodied reflexions. What is a mutating practice?

Edited by Loucia Carlier, Alicia Reymond, Antonine Scali Ringwald.

Contributions by Karen Barad, Léa Bouton, Patrick Chamoiseau, Emma Bigé, Salomé Burstein, David Douard, Rita Elhajj, Kim Farkas, Gözde Filinta, Eva S. Hayward, Tishan Hsu, Bhanu Kapil, Veit Laurent Kurz, Yein Lee, Lionel Manga, P. staff, Diamond Stingily, Sabrina Röthlisberger Belkacem, The School of Mutants, Sarah Shin, Olivier Zeitoun, Joanna Zylinska.

Klima is an annual magazine dedicated to contemporary creation and academic research. It aims to democratize the academic world through a conversation with the world of contemporary artistic creation. Klima gives a voice to creative, singular and conscious individuals, by relating art, activism and academia.

La philosophe Sara Ahmed se présente parfois comme « une rabat-joie féministe, une alienne affective, une femme queer racisée en colère ». Depuis plus de dix ans, elle tient un blog, feministkilljoys.com, où elle publie des morceaux de ses livres et de ses conférences. Dedans, on trouve des bouts de rages - contre le harcèlement sexuel à la fac où elle enseigne, contre le racisme institutionnel, contre le capitalisme carcéral... — mais aussi des célébrations des solidarités et des activismes transféministes. De là sont extraits les trois textes rassemblés dans ce court recueil, « Vandalisme queer », « Usage queer» et « La plainte, méthode queer»; des textes qui ont tous pour point commun de réfléchir aux potentiels d'interruption du mot queer. Queer, oblique, pas droit.e.s, déviant.e.s : des termes pour se mettre en travers des chemins trop bien tracés. Des textes comme autant d'appels à multiplier les existences vandales.

Un tuyau percé peut mener à un autre; il peut le faire et il le fait. Il suffit parfois de desserrer un écrou, un petit peu, juste un tout petit peu, pour que l'explosion ait lieu. Et nous avons besoin de plus d'explosions. Les usages queers, les usages obliques, décrivent ce potentiel d'explosion. Ils décrivent la manière dont les petites déviations, les petits desserrements, la création d'une issue de secours, l'ouverture d'une échappée, peuvent aider à multiplier toutes sortes de fuites et de sorties.

Temporary Services et PrintRoom ont invité dix-sept artistes éditeurices à répondre à la question suivante: En réfléchissant aux échelles locale, régionale, nationale et internationale, quels sont les problèmes sociétaux, politiques, économiques et écologiques que les artistes éditeurices sont équipées à aborder et à résoudre en utilisant leurs connaissances, leurs compétences et leurs ressources?

PrintRoom est un espace de présentation et de vente basé à Rotterdam, et dédié aux éditions d'artistes. Depuis 2012, PrintRoom gère un atelier de risographie où artistes, designers et autres curieux ses peuvent prendre part à des workshops ou imprimer leurs propres projets. PrintRoom est né en 2003 à partir d'une collection itinérante, encore en développement, d'éditions d'artistes. En 2010, l'initiative se dota d'une adresse fixe à Rotterdam (au 17 Schietbaanstraat), où elle devint une plateforme palpitante pour promouvoir et vendre des éditions faites par des artistes, des designers et des éditeurices venant de partout dans le monde. La collection PrintRoom comprend divers types de documents allant de l'édition en couleur savoureusement conçue au modeste flipbook ou au zine photocopié. L'espace accueille des discussions, des présentations, des lancements de livre et des workshops qui questionnent les méthodes des artistes de l'édition indépendante.

Temporary Services est composé de Brett Bloom et de Marc Fischer. Nous sommes basés à Auburn (dans l'Indiana) et à Chicago (dans l'Illinois). Nous existons, bien qu'il y eut plusieurs changements d'équipe et de structure, depuis 1998. En 2008, nous avons fondé les éditions et la boutique en ligne Half Letter Press. Nous produisons des expositions, des évènements, des projets et des éditions. La distinction entre une pratique artistique et d'autres projets créatifs menés par des humains n'est pas pertinente pour nous.

Hot wings and tenders est un recueil de poèmes bilingue anglais/français qui décline l'exploration d'une jeune femme queer de son corps, sa sexualité, et ses modalités d'existence matérielles. Alternativement tendres, crus, drôles et vifs, les poèmes de Marl Brun utilisent des protocoles d'écriture en apparence mathématiques pour tenter de capturer l'absurde logique du monde. Ils sont les énoncés analytiques d'une intimité qui demeure sensible et échappe à toute tentative de rationalisation.

Bezdorijia, chroniques d'un voyage en Ukraine est un recueil de textes écrits en 2022 en Ukraine. Un mois après le déclenchement de la guerre, une bande d'ami·es décident de se rendre sur place, animées à la fois par l'envie de mieux comprendre ce qu'il se passe et par celle d'apporter du soutien matériel au peuple ukrainien en lutte contre l'envahisseur. Sur un blog à destination de leurs proches, iels témoignent de la complexité de la situation, des rencontres que ce voyage les amène à faire et iels rendent compte, par le prisme de l'internationalisme, du quotidien d'un peuple qui résiste à la guerre grâce à des pratiques d'auto-organisation.

Thune Amertume Fortune raconte la possibilité d’une révolution. Eva Sig est pauvre. Elle vit en Vendée. Ses journées sont organisées autour de la nécessité de ne pas exercer de travail salarié. Elle met en place toutes sortes de stratégies d’évitement : de la pensée magique à la privation. Laura et Marine sont ses amies. Marine est obsédée par les maisons, Laura par le bien-être. La voyante gagne sa vie en comblant le désir libéral capitaliste de réponses (elle le sait) de ses clientes. Andrea Quem est rencontrée par Eva Sig dans un NOZ, quelque chose change. La coach sportive dont le monde est réduit à une estrade devant un miroir raconte sa vie en détail avant de donner son cours de Zumba. Eva Sig meurt. Andrea Quem disparaît. La révolution a lieu. 

"Cascada s'écoute à fond ou ne s'écoute pas". C'est la phrase qu'enfant déjà, Théophylle Dcx se répètait quand ses parents lui demandaient de baisser le son, de l'autre côté de la porte de sa chambre. De ses danses de survie sur ses tubes d'adolescence jusqu'à l'écoute collective et festive de leurs remix versions nightcore des années plus tard, Théophylle Dcx nous fait le récit de son histoire.

Il écrit ce que peut être la vie d'une jeune personne queer séropo, aujourd'hui travailleur du sexe ; les violences qui la traversent, tout comme les moments de jouissance qui la rendent flamboyante. Son texte est surtout un puissant hommage à son amitié avec Alexandre, son camarade de vie et de danse, décédé une année plus tôt.

L'écriture de Théophylle Dcx, rythmée, découpée, évoque un besoin urgent de retracer les affects qui le parcourent. Ce texte à la première personne, sensible et enflammé, est un précieux geste de partage et d'émancipation.

The first bilingual edition of this radically original work.

Aimé Césaire's masterpiece, Notebook of a Return to the Native Land, is a work of immense cultural significance and beauty. This long poem was the beginning of Césaire's quest for négritude, and it became an anthem of Blacks around the world. Commentary on Césaire's work has often focused on its Cold War and anticolonialist rhetoric—material that Césaire only added in 1956. The original 1939 version of the poem, given here in French, and in its first English translation, reveals a work that is both spiritual and cultural in structure, tone, and thrust. This Wesleyan edition includes the original illustrations by Wifredo Lam, and an introduction, notes, and chronology by A. James Arnold.